태초의 시간 Dream Time

강소영릴릴 KANG, soyoung liilliil

태초의 시간 Dream Time, 2015

서울 Seoul


작품소개 About Artworks

Dream Time, 2015, Moving image, Terracotta objet, Frankincense, Arctic Ocean sediment, and 3D Audio, Dimensions variable

“In my past life in ancient times, I was born on the Korean Peninsula, and after many twists and turns ended up settling down in the inland areas of Altai and Mongolia.
In 2009, the Arctic glaciers melted, opening up waterways for the first time in several millennia. In 2012, I sailed
the Arctic Ocean for three weeks and came across the soil that I had once called home. In a geological research lab at the polar research institute, I was reminded of the land which had grown distant and foggy in my mind. The place is just off the coast of the Chukchi Sea, near the present day Siberian Sea.”
The plot moves forward on the background of the artist’s dreams and actual travels. Ten thousand year old soil brought up from the abyss of the Chukchi Sea is hand- thrown into an incense burner using a secret technique at the traditional kiln site in Mungyeong. ‘Egg shaped incense burner’ is borne of fire, and by burning incense, creates a coexistence of the artist’s past and present. Its creation was a return ritual to a place and time far away from the present-day Mungyeong. It is a far place of deep meadows, dark and barbaric, even into the modern ages. In the cradle of inextinguishable life force of nature and the most primitive beliefs, the artist attempts a physical intercourse with her lost self-earthling worldview. Moreover, audiences could go and come over space-time through moving image of the northern hemisphere’s heavenly bodies and sounds representing Polaris.

태초의 시간, 2015, 무빙이미지, 테라코타 오브제, 유향, 북극심해토양과 3D 오디오, 가변 크기

“나는 중동에서 태어나 빙하기를 피해 고대 한반도를 거쳐 축치땅에 우여곡절 끝에 정착했다. 현생에 한국에서 태어난 나는, 빙하가 녹아서 뱃길이 수 천년 만에 열린 북극해 바다를 항해하게 되며 ‘데자뷰’를 겪는다. 예전 살던 곳은 바다가 되었지만, 우연한 기회에 과거의 고향 땅과 운명적으로 마주한다. 극지연구소에서 벽화그리기 작업을 하던 중, ‘고대 기후’와 지질연구 실험실에서 어렴풋이 기억하던 ‘고대의 북극 흙Arctic Ocean sediment’이 보관되어 있는 것을 보게 된 것이다.”
강소영은 꿈과 실제 여행을 바탕으로 플롯을 전개한다. 만 년 전의 축치해 심해토양을 가져와 문경의 전통 가마터에서 비밀스런 방법으로 향로를 빚고 소나무 장작을 떼어 굽는다. ‘알모양의 향로’는 불 속에서 탄생하고, 신성한 유향을 피움으로 해서 작가의 과거와 현재가 전시 공간에 녹아든다. 이는 지구 초기의 시간, 근세기까지 잘 알려지지 않은 그 곳, 문명과는 거리가 먼 축치의 순수한 땅으로 다시 가기 위한 의식이다. 자성의 지구가 가진 불가분의 생명력을 제시하고, 가장 원시적인 신앙관을 모태로 하여 잃어버린 작가 자신-지구인으로서의 존재와 물리적, 신체적 교접을 시도한다. 또한, 북반구 천체를 표현한 무빙이미지, 북극성을 표현한 소리를 통해 관람객은 자유로이 시공간을 넘나들 수 있다.

작가소개 About Artists

KANG, soyoung liilliil has worked on representing the sacred energy of the earth with visible images and sounds. The backgrounds of her works are mostly places with early ecological conditions or places with tangled border lines. KANG first experienced a polar region while staying at
King Sejong Station on King George Island, the Antarctic
in 2006. Kang joined an artist expedition program created
by the Arctic Circle in New York in 2012 and made a journey to the areas of 80 degrees northern latitude for three weeks. She travelled to Western Australia in 2013, following the unofficial route NASA’s exobiologists had taken. Since 2009, KANG has continued her projects to visit the islands on the borders of East Asia. KANG has held one-man exhibitions
at Art Space Pool, Chosun Gallery, An Dihn Palace in Hue Imperial City, Ping Pong Art Space in Taipei and others
and presented her animation at the Göteborg International Film Festival in 2006. She has recently undertaken stage production for Seoul Connection held at the Korzo Theater in Hague.

강소영릴릴은 지구의 신성한 에너지를 시각과 소리로 재현하는 작업을 한다. 작업배경이 되는 곳은 주로 지구의 초기생태환경이 남아있는 곳과 국경선이 복잡하게 얽힌 곳이다. 2006년 남극 킹조지섬의 세종기지에 머물며 처음 극지를 접했던 그는, 2012년 뉴욕의 더 아틱서클의 예술가 탐험레지던시에 선발돼 북극 항해를 했고, 북위 80도를 3주간 항해했다. 2013년에는 NASA우주생물학자들의 탐사일정을 비공식루트로 따라서 서호주도 다녀왔다. 2009년부터 현재까지 동아시아의 경계의 섬들을
다니며 프로젝트를 이어오고 있다. 서울의 대안공간 풀, 갤러리 조선, 투아티엔후에성의 안딘 궁, 타이페이의 핑퐁아트스페이스 등에서 개인전을 했고, 2006 예테보리영화제 국제단편부문에 애니메이션을 상영했다. 최근 헤이그의 코르조극장에서 열린 ‘서울 커넥션’ 의 무대 연출을 맡은 바 있다.

카페 오프 프로젝트-무등산 편 Café Off Project- Mudeungsan ver.

강영민 KANG, Young Mean

카페 오프 프로젝트-무등산 편
Café Off Project- Mudeungsan Ver., 2015

서울 Seoul


작품소개 About Artworks

Café Off Project-Mudeungsan Ver., 2015, Mixed media, Dimensions variable

The cafe that invites visitors to come in and rest their weary footsteps. Modern people are busy, even in the exhibition halls. Busy looking at the artworks, busy reading the wall text, busy taking in the deluge of information. It is an exhausting experience. Perhaps the exhaustion comes from the fact that appreciation for art has been replaced by intentions of self-improvement. The artist thought
it’s unfortunate that many visitors from Seoul area and overseas ended up with just looking around the exhibitions not enjoying more. On the theme of Gwangju’s Mudeung Mountain, the artist opens a cafe to provide a resting place as well as to broadcast a message of harmony between people and nature. Chunseol Tea, a favorite of Uijae Huh Baekryun, the Korean artist from the early 1900s who lived and painted around the Mudeung Mountain, is served at the cafe. The artist is also planning to organize a group hiking up the snowy path during the exhibition period.
Mudeungsan Mountain (elevation 1,187m above sea level) became a National Park in 2012. Not only is the mountain rich with heritage sites, but also it is a cradle of ecological diversity with a wide variety of flora and fauna that inhabit its stone columns. Mudeungsan Mountain is also the only mountain in the world above 1000 meters next to a city with a population over 1 million. As the artist hiked up Mudeungsan Mountain, heart-catching scenes held his footsteps where the Artist paused, held his breath and filmed 10-second video clips. The video clips were gathered and named Moving Still, as physical representations of the human breath dispersing into nature. The trembling footages caused by the artist’s cold shaking hands are displayed over the tent, conveying the wave of emotions that the artist experienced on the mountain.

Sponsored by ⁄ Uijae Museum of Korean Art Chunseol Tea

Support ⁄ Huh Yoon Jung, Kang Sae Jin
(Uijae Museum of Korean Art Curator)

카페 오프 프로젝트-무등산 편, 2015, 혼합 매체, 가변 크기

관람객이 휴식할 수 있는 카페를 만든다. 바쁜 현대인들은 전시장에 와서도 수많은 작품들의 정보에 노출되어 피로해지는 것이 오늘의 현실이다. 현대미술이 어느덧 자기계발의 장이 되었기 때문은 아닐까. 작가는 평소 광주의 예술 행사를 찾는 수도권과 해외에서 오는 관객들이 전시만 보고 그냥 돌아가는 것을 안타깝게 여겼다. 작가는 직접 등반한 무등산을 테마로 카페를 만들어 인간과 자연의 조화라는 메세지를 던지고 휴식공간을 제공한다. 카페에서는 무등산을 기점으로 활동했던 의재 허백련 화백의 춘설차가 제공되며, 전시기간 중에 작가와 함께 등반하는 무등산 눈꽃산행도 개최될 예정이다.
2012년 국립공원으로 지정된 무등산(해발 1,187m)은 오랜 시간 주상절리와 다양한 동식물이 서식하는 생태의 보고이며 역사적 유적이 많다. 또한 인구 100만이 넘는 도시를 1000m 이상의 산이 둘러 싸고 있는 곳은 세계에서 광주와 무등산이 유일하다고 한다. 작가는 무등산을 등반하며 마음에 와 닿는 풍경 앞에 서 숨을 10초간 멈추고 오프 촬영했다. 이 동영상 클립들은 <무빙스틸Moving Still>이라 명명되며 인간의 숨결이 자연으로 전이되는 순간을 물리적으로 표현하려 했다. 손 떨림에 의해 흔들리는 영상들은 텐트 위에 오버랩되며 작가가 느꼈던 감정의 파동이 관객에게 전해진다.

협찬 ⁄ 의재 미술관 춘설차

협조 ⁄ 허윤정, 강세진 의재 미술관 학예 연구원

작가소개 About Artists

KANG, Young Mean is a painter and pop-aritst who has presented various art works using characters. Sleeping Heart, a character with heart-shaped face enjoying something is representative. In recent days, KANG probes cultures and zeitgeist in Korean society through the activities such as organizing Pop Art cooperative and arranging tours of Korean modern history and Jirisan Project. He communicates with the public through SNS as well. He majored in painting in Hongik University and Art and Technology in School of the Art Institute of Chicago. KANG painted three murals at Eulji-ro 3-ga station and had numerous group shows in Mediacity Seoul, Gwangju Biennale, DUMBO Arts Festival New York as well as solo shows in Insa Art Space, Gallery SSamzie, and etc. He also collaborated with Hyundai Department Store, DKNY, KUHO, Basic House, etc. In recent days he directed Small coin Big love World Vision and Seoul Foundation for Arts and Culture held.

서울을 중심으로 활동하고 있는 강영민은 캐릭터를 이용한 다양한 작업을 해온 팝아티스트이자 화가다. 하트 모양의 얼굴에 무언가를 음미하는 표정을 짓고 있는 <조는 하트>는 그를 대표하는 캐릭터이다. 최근 SNS를 통해 대중과 소통하고 팝아트 조합을 결성해 현대사투어와 지리산프로젝트를 진행하는 등, 한국사회의 문화와 시대정신 탐구에 천착하고 있다. 서울 지하철 을지로 3가역에 벽화를 제작했으며, 인사미술공간, 갤러리 쌈지 등에서 다수의 개인전을 개최했고, 미디어시티 서울, 광주비엔날레, 뉴욕 덤보아트페스티벌 등 주요 전시에 참여했다. 현대백화점, 캐딜락, DKNY, KUHO, 베이직하우스 등과 함께 프로젝트를 진행했으며, 최근에는 월드비전과 서울문화재단의 ‘사랑의 동전밭’ 아트디렉팅을 맡기도 했다.


Transmedia Lab(Taiyun KIM+Earl PARK+Sookyun YANG+JIhyun YOON)

21C 대장경 21C Tripitaka, 피타카 PITAKA, 2015

광주Gwangju 서울Seoul

작품소개 About Artworks

PITAKA, 2015, Mixed media, Dimensions variable

PITAKA is the name given to the robot inscribing the Goryeo Tripitaka into plastic panels. Beyond the apparent robot/machine the nature of PITAKA, the inscription medium becomes a personified icon of catechumen, a seeker of truth. PITAKA’s performance produces a new form of manuscript for the Buddhist scripture, and by doing so, processes and transforms the symbolic aura of the historical relic Tripitaka into another medium.
This work uses the digital data provided by the Research Institute of Tripitaka Koreana.

피타카, 2015, 혼합 매체, 가변 크기

피타카는 플라스틱 패널에 고려대장경을 새기는 로봇이다. 피타카는 로봇/ 기계라는 인식을 넘어 구도자로 의인화된 아이콘으로 판각 행위를 통해 미디어가 된다. 피타카의 퍼포먼스는 새로운 형식의 장藏, 피타카를 생산해 내고 이는 상징적 아우라로 존재하는 대장경이라는 역사적 유물을 또 다른 매체로 가공, 변화시킨다.

이 작품은 고려대장경연구소로부터 제공받은 디지털 테이터를 활용하고 있다.

작가소개 About Artists

Transmedia Lab is a lab researches, develops, and produces innovative, creative ideas, specializing in media art, interactive design, digital production, and digital cultural heritage. This artist group is presently holding its first project entitled the 21st Century Tripitaka. This group consists of Plan B members Taiyun KIM and Jihyun YOON, who have studied humanity’s shifting perception, behavior, experience, and social structures anchored in collectable data in diverse media environments and transformed them through a combination with new data, and members of media artist group Jonpasang Earl PARK and Sookhyun YANG, who have experimented with new imagination and tried to attain what is considered impossible with toys and supersized works of kinetic art. They are presently attending the Creators in Lab, the ACT Center artist-in-residence program of 2015.

<융합미디어 랩>은 미디어 아트, 인터랙션 디자인, 디지털 제작, 디지털 문화유산 등에 특화된 혁신적이고 창의적인 아이디어를 연구개발하고 제작하는 문화창조원 PM-03 창제작센터의 랩이다. 그 첫 프로젝트로 프로젝트를 진행 중이다. 다양한 미디어 환경 내에서 수집 가능한 데이터를 활용해 변화하는 인간의 인지, 행동, 경험, 사회구조 등을 연구하고 이를 새로운 데이터로 조합, 변환시키는 작업을 진행하고 있는 플랜비Plan B의 멤버 김태윤, 윤지현과 테이블 탑 장난감부터 초대형 키네틱 아트에 이르는, 기술을 통해 새로운 상상력을 실험하고 불가능하다고 여겨지는 것들을 실현하고자 하는 아티스트 콜렉티브, 전파상의 멤버 박얼, 양숙현이 함께 모여 활동 중이다. 현재 2015 창제작센터 레지던시 프로그램의 크리에이터로 참여하고 있다.


김윤철 Yunchul KIM

플레넘 PLENUM, 2015

베를린Berlin 비엔나Vienna 서울Seoul

작품소개 About Artworks

EFFULGE, 2012-2014, Acrylic,glass, aluminum, photonic crystal,neodymium, motor, computer,electronic micro controller,electromagenticfield generator,muon-detector, polyvinyl acetal,air pump, Dimensions variable

“Interwoven realities are fluctuating in space of PLENUM. A continuous process of the mattering among things
is emerged through intra-action of force and energy in nature. At this moment, the space transformed into a sphere of potentiality; a cell, a container, an exhibition space, a laboratory. The devices and machines such as the electromagnetic field controller, the agitator, the particle detector, the thermostat and the air pump are activated
to maintain the metastable state of potential energy for materials in the PLENUM, and at last, the fluctuation of
an imperceptible world is manifested as phenomena. The detector installed in the space triggers other devices, filtering out the particles arriving at the terrestrial sphere from the celestial sphere, and the photonic crystals in the glass bottle make their own dynamical fluidic patterns
by deflecting of light through the convection by the temperature change of a fluid, gravity and magnetic field in the device.
On the horizontal of these events, materials in the PLENUM lead us to material imagination —l’imagination matérielle. Because this imagination is symptomatic before having been figured out with language, reality
is constantly slipping out of symbols and metaphors. Therefore, material imagination takes us into the network of Mattereality to make it possible for us to find its meaning from the speculative or substantial dimension. In the PLENUM, events of manifestation and disappearance might help us to face material as if myths arose from experiences of formation and extinction in nature, making possible
the mythical process, so-called the primal seeing freed from the worth and use of material. This kind of seeing is available through the dependent co-arising, in other words, it is not a dream at night but an awakened imagination.” (Yunchul KIM)

이플러지, 2012-2014, 아크릴릭,유리, 알루미늄, 포토닉 크리스탈,네오디뮴, 모터, 컴퓨터,일레트로닉 마이크로 컨트롤러,
일렉트로마그네틱 제너레이터, 뮈온-디텍터, 폴리비닐 아세탈, 에어 펌프, 가변 크기

“플레넘의 공간은 여러 사건들로 출렁인다. 이는 사물들의 연속적인 물질되기Mattering에 의해 드러나는데, 이 과정은 자연의 힘과 에너지의 내부적 작용intra- action에 수반된다. 이때 공간은 하나의 용기이자 전시장, 그리고 실험실이기도 한 여러 양태들이 중첩된 현장으로 변모한다. 전자기장 제어기, 교반기, 입자검출기, 항온 장치 그리고 공기 펌프 등의 장치들은 플레넘의 물질들을 잠재에너지의 불안정한 상태로 유지시키며, 이를 통해 우리에게는 감각되지않는 세계의 출렁임들이 현상으로 발현된다. 공간에 설치된 입자검출기는 우주로부터 지상에 도착하는 입자들을 여과하여 여러 다른 장치들에게 영향을 미치고, 유리병 안의 광결정 입자들은 유체의 온도 변화에 의한 대류와 중력 그리고 장치 내부의 자기장의 힘을 통해 빛을 굴절시키며 자기 고유의 역동적인 유체의 패턴들을 만든다.
이러한 사건들의 지평 위에서 플레넘의 물질들은 우리에게 물질적 상상l’imagination matérielle을 가능하게 한다. 이것은 언어로 파악되기 이전의 징후적인 것이기에, 여기서 실재란 상징과 은유로부터 끝없이 미끄러질 뿐이다. 즉, 물질적 상상력은 우리를 물질적 실재Mattereality의 망으로 끌어들여 물질에 대한 사변적 혹은 본질적 차원의 의미를 탐색할 기회를 준다. 마치 신화가 자연의 생성과 소멸의 체험에서 기인하듯 플레넘 안의 발현과 사라짐의 사건은 우리를 물질과 대면하게 하며, 가치와 용도에 구속된 물질관에서 벗어나 그 실재를 근원적으로 바라보게하는 신화적 과정의 체험을 가능하게 할지도 모른다. 이러한 바라보기는 세계와의 연기緣起dependent co-arising를 통해서 이루어지며 그것은 밤의 꿈이 아닌 깨어있는 몽상이다.” (김윤철)

작가소개 About Artists

Yunchul KIM is an electroacoustic music composer and artist. He also founded the STUDIO LOCUS SOLUS in Seoul. His latest works are focusing on the artistic potential of fluid dynamics, metamaterials (photonic crystals) and especially on the context of magnetohydrodynamics. He
is a co-founder of art and science project group ‘FLUID SKIES’ and a researcher of artistic research project ‘LIQUID THINGS’ at the University of Applied Arts Vienna in Austria. Now, he is leading the Research Group ‘MATTEREALITY’ in Korea Institute for Advanced Study (KIAS).

김윤철은 작가이자 전자 음악 작곡가로 ‘스튜디오 로쿠스 솔루스’를 설립했다. 그의 최근작은 유체역학의 예술적 잠재성과 메타 물질(포토닉 크리스탈), 전자 유체 역학의 맥락에 집중되어 있다. 예술·과학 프로젝트 그룹 ‘플루이드 스카이스’를 만들고 활동했으며, 비엔나응용미술대학의 예술연구프로젝트 ‘리퀴드 띵즈’의 연구원으로 활동했다. 현재 고등과학원 초학제연구프로그램의 연구단 ‘매터리얼리티’의 연구책임자이다.

섬광 속의 섬광, 조립되지 않은 시계, 오른손, 왼손 A Flash in the Flash, A Clock not Fabricated, Right Hand, Left Hand

김인배 Inbai KIM

섬광 속의 섬광Flash, 2015 / 조립되지 않은 시계, 오른손, 왼손
Unassembled Clock, 2011 / Left Hand, Right Hand, 2013

서울 Seoul

작품소개 About Artworks

Flash, 2013

Inbai KIM focuses on the way a god is reproduced, rather than the actual god in the temple. The height of the altar, the size and posture of the god are all his interests. Flash is a small statue on a large triangular pedestal. Suggestive of the statues in the Egyptian temples, the faceless man sits, staring forward. The pedestal with odd size, a structure meant to display an object, pokes humorously at the statue of a deity displayed atop it.
Right hand and Left hand are partial reproductions of Flash, placed on a separate table. Unassembled clock is also placed nearby, the nonexistent second hand and the minute hand representing the artist’s system of time. KIM revisits the idea of ‘pause’ through reproducing multiple layers of time in his sculpture. Suppose capturing movement and change is what sculptures do. Then completely capturing something, to be perfectly still, is to synchronize perfectly with time. The numbers on the face of a clock, the minute hand and the second hand, they are all a system of symbols agreed upon by people. If there was to be a system of symbols that transcended it, what would it be? KIM seeks to sculpturally represent abstract systems beyond the horizon of intuitive perception. Time is order, and order is the passing of time.

섬광 속의 섬광, 2013

김인배는 신전 속 ‘신’보다는 그 신이 재현 되는 ‘방식’에 집중한다. 어떤 높이의 단 위에 어떤 크기와 모양의
신이 어떻게 놓였는가가 작가의 관심 거리다. <섬광 속의 섬광>은 커다란 삼각형 좌대 위에 놓인 조그마한 조각상이다. 이집트 신전의 조각상을 연상시키는 얼굴 없는 남자는 정면을 응시한 채 의자에 앉아있다. 좌대라는 디스플레이의 구조물과 조각상 자체의 크기가 갖는 대조는 이상한 긴장감을 이루며 거룩한 신의 재현에 유머러스한 도전을 한다.
<섬광 속의 섬광>의 일부분을 독립적으로 재현한 두 작품 <오른손>과 <왼손>은 별도의 테이블 위에 놓인다. 이와 함께 놓인 <조립되지 않은 시계>는 초침과 분침이 사라진 작가만의 시간 시스템을 재현한다. 여러 시간의 레이어가 겹친 상태를 재현한 조각에 김인배는 다시 ‘멈춤’을 생각한다. ‘움직임’과 ‘변화’를 포착하는 것이 조각의 특징이라면, 포착한다는 것, 즉 완벽하게 멈춘다는 것은 시간의 흐름과 완벽하게 싱크를 맞추는 것이다. 시계의 분침과 시침이 가르치는 숫자는 인간들이 동의한 기호체계라면, 이를 초월하는 또 다른 기호체계는 뭘까. 김인배는 직관적 감각 너머의 추상적 시스템을 조형화된 조각작품으로 표현한다. 시간은 순서고, 순서는 시간이 흐름이다.

작가소개 About Artists

Inbai KIM is best known for his two-dimensional drawings and three-dimensional work going beyond the boundaries of sculpture. KIM brings rhythm, movement, and temporality to his work with his own distinctive modeling idioms. KIM has held a multitude of solo shows at Gallery Scape and Arario Gallery in Seoul, Doosan Gallery in New York, and others. KIM has also attended diverse group exhibitions at Gallery Ssamzie, the Seoul Museum of Art, Art Center Nabi, and Insa Art Space. He has participated in artist-in-residence programs at the ISCP in New York, Ssamzie Studio, and Doosan Residency.

김인배는 2차원 드로잉과 3차원 조각의 경계를 넘나드는 작업들을 한다. 그리고 그만의 독특한 조형언어로 리듬과 움직임, 시간성을 조각에 불어넣는다. 그는 서울의 갤러리 스케이프, 아라리오 갤러리 외에도 뉴욕의 두산 갤러리 등 다양한 공간에서 다수의 개인전을 가진 바 있으며, 갤러리 쌈지, 서울시립미술관, 아트센터 나비, 인사아트스페이스 등 국내 유명 미술관에서 열린 다양한 그룹전에도 참여했다. 뉴욕의 ISCP 레지던시 외에도 국내의 쌈지 스튜디오, 두산 레지던시 프로그램에 참여한 바 있다.

사슬이 묶인, 거북산의 도깨비 Wuzhiqi: The Demon Chained under Turtle Mountain

Soyoung KIM + Sookyun YANG

사슬이 묶인, 거북산의 도깨비
Wuzhiqi: The Demon Chained under Turtle Mountain, 2015

광주Gwangju 서울Seoul

작품소개 About Artworks

Wuzhiqi, 2015, 3D printed sculpture, Dimensions variable

Wuzhiqi is a cast iron statue water goblin from Chinese mythology, made during the Song Dynasty of 12th century China. Lore has it that Wuzhiqi lived ensnared under the Turtle Mountain by a thick chain that secures him to his eternal fate of guarding the mountain. However, through a complex chain of events, the figure is now in in the Asian Art Museum, Stiftung Preussisher Kulturbesitz in Germany. Wuzhiqi was found inside another artifact when it was found through the museum’s 3D scanning data. Due to Wuzhiqi’s resemblance to the Korean goblin “Dokebi”, Koreans find
it familiar, and because of that familiarity, its source
and current whereabouts become insignificant. Like a space traveler exiting a wormhole, the dokebi escapes the overturned Turtle Mountain. Empowered by imagination, the dokebi comes to life through sewing and 3D printing, into a newly recombined material.

The copies of 3D scans are provided by Asian Art Museum, Stiftung Preussisher Kulturbesitz, Federal Republic of Germany.
Technical Support ⁄ Ph.D CHOI, Won-ho (Research Professor, Jeonju University)

우지키, 2015, 3D 조각, 가변크기

송나라 시대에 제작된 철제동상 우지키Wuzhiqi는
오래 전부터 중국에서 전해 내려오는 이야기에 등장하는 물 도깨비를 재현한 것이다. 발에 사슬이 묶인 채로
거북산 아래 산다는 오래된 이야기를 가진 이 도깨비상은 여러 경로를 거쳐 현재 독일 프로이센 문화재단 산하 아시아미술박물관에 보관되어 있다. 박물관의 3D 스캐닝 데이터로 확인한 유물 속에서 찾아낸 우지키는 흡사 한반도의 도깨비와 생김이 비슷하고, 고로 우리에게 익숙한 모습이다. 그 시각적 유사성으로 인해 그것이 어디로부터 왔는지, 어디에 있는지는 무의미해졌다. 뒤집어진 거북산에서 튀어나온 도깨비는 마치 웜홀을 통과해 온 여행자처럼 상상력과 결합되어 바느질과 3D 프린팅이라는 테크닉을 통해 새로운 물질로 변환되고 재조합된다.

자료협조 ⁄ 독일 프로이센 문화재단 산하 아시아미술박물관
기술협조⁄ 최원호 전주대학교 연구교수

작가소개 About Artists

So Young KIM has been involved in transforming familiar subject matter into something marked by the aesthetic traits of contemporary art through simplicity, labor, dailiness, and recurring actions. KIM dismantles or deconstructs the intrinsic property of her subject matter through her action of sewing, the primary activity of her work, and then recombines various elements, thereby generating new value with new physical forms. Sookyun YANG merges media with her imagination in an actual physical space by harnessing diverse techniques. Her technical imagination at times creates an enormous installation displaying alteration in physical space through movement. Other times her work is realized as something hand-sized and portable.

김소영은 단순성, 노동성 그리고 일상성, 즉 신체의 반복 행위를 통해 인간의 삶과 매우 친밀한 소재들을 현대미술의 미학적 특징을 가지도록 변모시키는 활동을 하고 있다. 작품활동에서 가장 중요한 코드인 바느질 행위를 통해 소재 그 자체가 원래 가지고 있던 성질을 분해, 해체시키고 동시에 다시 조합하여 새로운 물리적 형체를 탄생시켜 새로운 가치를 만들어 낸다.

양숙현은 다양한 기술을 활용하여 물리적 실제 공간에서 미디어와 상상력을 결합시킨다. 작가가 표현하고자 하는 기술적 상상력은 때로 물리적 공간에서의 움직임을 통한 공간의 변화를 보여 주는 거대한 설치를 만들어내고, 또는 손에 잡힐 정도의 크기의 포터블 미디어로 구현되기도 한다.

엑스 팻 걸 Ex-fat girl

나기 노다 Nagi NODA

엑스-팻 걸 Ex-fat Girl, 2004

도쿄 Tokyo


작품소개 About Artworks

Ex-fat Girl, 2005, single channel video, 3’33”

Ex-fat Girl, the short video in which Mariko Takahashi famously appears as the main protagonist, is often referred to as ‘Doggy Fitness’ or ‘Poodle Fitness’. The short film was created for Panasonic’s Ten Short Movies-Capture the Motion series for the 2004 Summer Olympics. It was a near-verbatim parody of Susan Powter’s first workout video, which was very popular at the time. In the video, the fitness instructor is dressed in a body suit giving her the appearance of having muscles shaped like the fur of a roomed poodle. NODA is leading a team of six poodles exercise. NODA never explained why in the video, people were made to look like dogs leaving it open for speculation. NODA, in her artist’s statement, later shared that the six actors were in fact dressed in dog costumes, but that the dog-heads were superimposed.
Since 2006, NODA extended her activities in the world while belonging to the Partizan in Los Angeles where Michel Gondry, a film director, and others are attached to. In the same year she directed CM, a world campaigns of Coca Cola. Except of that, she made a large number of memorable advertisements using some radical images. There are some pieces of major works such as Nike campaign, LaForet season commercials(Laforet: department store in Japan), Santory(Japanese beverage company) campaign, the collaborations with UNIQLO and LG laundry machine all that sort of things.
The works of NODA such as Hair Hat(a hat made of hairs) and Hanpanda(a doll made of a half of panda and the other side of another animals) gained massive popularity. She has received many outstanding awards; Gold prize in Tokyo TDC, Tokyo ADC award, JAGDA newcommers prize, Members’prize in TDC, Silver prize in NY ADC, NY ADC Lifetime achievement award, Members’prize in TDC, and etc.

AD 野田凪 Nagi NODA
FD 野田凪 Nagi NODA
C 安藤隆 Takashi ANDO
CA 内田将二 Shoji UCHIDA
M サーティース Thirtieth
PR 中根宏明 Hiroaki NAKANE

엑스-팻 걸, 2005, 싱글채널비디오, 3분 33초

주인공인 마리코 타카하시의 피트니스 비디오로도 유명한 <엑스-팻 걸>은 ‘도기 피트니스’, ‘푸들 피트니스’로 불리기도 한다. 이 단편영화는 2004년 하계 올림픽을 위해 제작된 파나소닉의 <열 개의 단편 영화-움직임을 포착하다> 시리즈 중 하나로, 제목 그대로 기존에 유명했던 수잔 포우터의 첫 번째 피트니스비디오를 패러디 했다. 비디오에서 강사는 말쑥한 푸들처럼 자신의 근육이 드러나는 바디수트를 입고 나와 여섯 푸들과 함께 운동을 한다. 당시 여섯 푸들을 기술적으로 어떻게 표현했느냐에 대해 다양한 의견이 많았지만 나기 노다는 주로 함구하면서 가능성을 열어뒀다. 후에 기록된 아티스트 노트에 그는 여섯 배우들이 푸들 의상을 입고 촬영했고, 이후 살아있는 푸들 머리를 입혔다고 밝혔다. 주인공인 마리코 타카하시Mariko Takahashi는 패션모델 겸 배우다. 8살때 모델로 데뷔 후, 2001년 <세상의 끝이라는 잡화점 世界の終わりという雑貨店>으로 배우로서 데뷔했고, 현재까지 잡지, CM, TV, 라디오, 영화 등에서 활약 중이다.

작가소개 About Artists

Nagi NODA displayed her ability in a wide range of artistic fields, working as an art director, artist, and fashion designer. NODA presented a poetic yet slightly uncanny aesthetic sense in graphic design, video, and advertising campaigns. This work extended the scope of beauty and held the highlight while embarrassing viewers. Ardently loved by both the art world and the general public, she continued her own distinctive modeling idioms without losing any balance between art and commerce. NODA also gained a word-wide reputation through campaigns for Coca Cola, Nike, La Foret, and Panasonic. NODA suffered an early death at the age of thirty-four due to complications following surgery.

나기 노다는 아티스트였던 부모의 독특한 교육방식 아래 남다른 재능을 키우며 성장했다. 그는 시적이면서도 독특한 자신만의 미감을 그래픽 디자인, 영상, 캠페인의 형태로 선보였다. 작업들은 미의 범위를 확장시켰다는 평가를 받으며 큰 이목을 끌었다. 예술계와 대중의 열렬한 사랑을 동시에 받은 작가는 예술과 사이를 오가며 균형을 잃지 않고 자신만의 독특한 조형 언어를 이어나갔다.
2006년부터 로스앤젤레스의 파티잔Partizan (영화감독 미셸 공드리Michel Gondry 등이 소속되어있는 프로덕션)에 소속되어 활동 무대를 세계로 넓혔다. 그 해에 코카콜라 월드캠페인 CM을 디렉팅. 그 외에도 래디컬한 이미지로 사람들의 기억에 남는 광고를 다수 제작하였다. 주요 광고 작품으로는 나이키캠페인, 일본 라포레 백화점의 시즌광고, 산토리의 캠페인, LG세탁기, 유니클로와의 콜라보 등이 있다. 그는 작품 헤어햇Hair Hat(머리카락으로 만든 모자)과 한판다半パンダ(반쪽은 팬더, 반쪽은 다른 동물인 인형)도 많은 인기를 모았다. 주요 수상에는 1999년 TDC(Tokyo Type Directors Club) 금상, 2001년ADC(TokyoArtDirectorsClub)상, JAGDA 신인상, 2002년 TDC 회원상, NY ADC 은상,
NY ADC 특별공로상, 2003년 TDC 회원상 등을 받았다. 무대를 넓혀가며 활발하게 활동하던 그는 2008년 9월 수술 후유증으로 34세의 젊은 나이로 생을 마감했다.

오기야하기 나는 네 얼굴을 사랑해 Ogiyahagi I love your face

나기 노다 Nagi NODA

오기야하기 나는 네 얼굴을 사랑해
Ogiyahagi I love your face

도쿄 Tokyo


작품소개 About Artworks

Ogiyahagi I love your face, 2005, Single channel video, 1’41”

Ogiyahagi I love your face is a music video produced by Nagi Noda. The video begins with two men in a three-piece suit, each wearing a spherical mask that appears to be an eyeball, their dance at times are reflections, sometimes not, but generally symmetrical. The large pair of glasses slide down to the foreground of the video screen, the two spherical heads clearly becoming eyeballs in the frame of the glasses. Although there is no clearly defined face, the eyes seem to dart around a little before staring out of the screen and at the viewer. At the end when they take off their masks, the contrast between the expressionless face and the smiling face creates an uncanny experience.
Ogiyahagi, the protagonist, is comedy duo, Hiroaki OGI and Ken YAHAGI were united. It was founded in 1995 and currently appears on TV and radio programs. “I had no idea about comedy because I am not used to watch comedy shows. However, I started to watch TV, since I came to know the existence of Ogiyahagi. I even went to the show for myself.”As NODA said, she was a big fan of Ogiyahagi. This video was directed and produced by NODA with the lyrics written by Ken YAHAGI.

AD 野田凪 Nagi NODA
FD 野田凪 Nagi NODA
PL 野田凪 Nagi NODA
CA 内田将二 Shoji UCHIDA
M おぎやはぎ Ogiyahagi PYRAMID FILM INC.
PRD ピラミッドフィルム ADV 宇宙カントリー Uchu CountryCo., Ltd.

오기야하기 나는 네 얼굴을 사랑해, 2005, 싱글채널비디오, 1분 41초

<나는 네 얼굴을 사랑해>는 나기 노다가 연출한 뮤직 비디오다. 영상은 양복을 입고 눈알을 연상시키는 가면을 쓴 두 남자에 의해 시작되며, 그들은 때로는 대칭적으로 또 비대칭적으로 춤을 춘다. 커다란 안경이 그들의 얼굴 앞에 내려오면서, 얼굴은 완벽히 눈알로 변화한다. 보이지 않는 커다란 얼굴은 눈알을 이리 저리 굴리다가 관람객을 응시한다. 마지막, 그들이 가면을 벗는 순간 보이는 미소와 무표정의 교차는 관람객들에게 이질적 느낌을 선사한다. 주인공인 오기야하기Ogiyahagi는 히로아키 오기Hiroaki OGI와 켄 야하기Ken YAHAGI가 1995년 결성한 개그 콤비로, 현재에도 일본의 텔레비전 방송과 라디오에 출연 중이다. 나기 노다는 “TV를 보지 않아서, 개그를 몰랐다. 하지만, 오기야하기의 존재를 알고부터 TV를 보게 되었다. 방송 촬영을 직접 보러간 적도 있다.”라고 할 만큼 오기야하기의 팬이었다. 이 영상은 오기야하기의 켄 야하기가 만든 노래 가사에 나기 노다가 영상을 연출, 제작한 작업이다.

작가소개 About Artists

Nagi NODA displayed her ability in a wide range of artistic fields, working as an art director, artist, and fashion designer. NODA presented a poetic yet slightly uncanny aesthetic sense in graphic design, video, and advertising campaigns. This work extended the scope of beauty and held the highlight while embarrassing viewers. Ardently loved by both the art world and the general public, she continued her own distinctive modeling idioms without losing any balance between art and commerce. NODA also gained a word-wide reputation through campaigns for Coca Cola, Nike, La Foret, and Panasonic. NODA suffered an early death at the age of thirty-four due to complications following surgery.

나기 노다는 아티스트였던 부모의 독특한 교육방식 아래 남다른 재능을 키우며 성장했다. 그는 시적이면서도 독특한 자신만의 미감을 그래픽 디자인, 영상, 캠페인의 형태로 선보였다. 작업들은 미의 범위를 확장시켰다는 평가를 받으며 큰 이목을 끌었다. 예술계와 대중의 열렬한 사랑을 동시에 받은 작가는 예술과 사이를 오가며 균형을 잃지 않고 자신만의 독특한 조형 언어를 이어나갔다.
2006년부터 로스앤젤레스의 파티잔Partizan (영화감독 미셸 공드리Michel Gondry 등이 소속되어있는 프로덕션)에 소속되어 활동 무대를 세계로 넓혔다. 그 해에 코카콜라 월드캠페인 CM을 디렉팅. 그 외에도 래디컬한 이미지로 사람들의 기억에 남는 광고를 다수 제작하였다. 주요 광고 작품으로는 나이키캠페인, 일본 라포레 백화점의 시즌광고, 산토리의 캠페인, LG세탁기, 유니클로와의 콜라보 등이 있다. 그는 작품 헤어햇Hair Hat(머리카락으로 만든 모자)과 한판다半パンダ(반쪽은 팬더, 반쪽은 다른 동물인 인형)도 많은 인기를 모았다. 주요 수상에는 1999년 TDC(Tokyo Type Directors Club) 금상, 2001년ADC(TokyoArtDirectorsClub)상, JAGDA 신인상, 2002년 TDC 회원상, NY ADC 은상,
NY ADC 특별공로상, 2003년 TDC 회원상 등을 받았다. 무대를 넓혀가며 활발하게 활동하던 그는 2008년 9월 수술 후유증으로 34세의 젊은 나이로 생을 마감했다.

네오 조선의 샤먼들 Neo Joseon Shamans

더 바이트 백 무브먼트
(이승연+알렉산더 어거스투스)
The Bite Back Movement
(Seung Youn LEE+Alexander AUGUSTUS)

네오 조선의 샤먼들
The Shamen of Neo Joseon, 2015



작품소개 About Artworks

The Shamen of Neo Joseon, 2015, Mixed media, Dimensions variable

“Kkokdu, Dangun, the Grim Reaper, the Snail Bride, Grandmother Spirit…
Will these stories still be told in a hundred years?
We are fascinated by stories of gods and animals in mythologies. All human history is a myth, and we are all heroes of the myth. Even today, the myth is shattered and appended. What if the story outlived the person? The bite back movement continues, inspired by those questions and imaginations. This work is part of an object and performance series, which began under an assumed scenario where in the year 2100, five shamans from Neo Joseon are selected. The artist reflects the present through the motif of existing stories such as mythologies and fairy tales, then draws a new narrative of the future. The shaman dances between the heaven and earth, healing the hurt and the sad, bridging the living and the dead. Generally, a shaman in human form is represented as “the hat” on the top of a person’s head. Like a church spire, the shaman communicates using the hat at the top of the head. Shamans in the year 2100 relay messages from the heavens like angels, and heal people with stories. The hats are angels, storytellers, artists, you and I, and human history. The people dancing between the heaven and earth, you, and I, we are the protagonists of this hat.” (The Bite Back Movement)

네오 조선의 샤먼들, 2015, 혼합 26 매체, 가변 크기

“꼭두, 단군, 저승사자, 우렁각시, 삼신할머니… 100년 후에도 이들에 관한 이야기는 여전히 존재할까? 우리는 신화 속에 등장하는 신과 동물의 이야기들에 매혹된다. 인간의 모든 역사는 신화이고, 우리 모두는 신화의 주인공이다. 오늘도 신화는 부서지고 덧붙여진다. 자신이 사라져도 이야기가 남는다면? 더 바이트 백 무브먼트는 이런 상상으로 작업을 이어간다. 이번 작업은 2100년 네오조선으로부터 5명의 샤먼이 선택된다는 가정 아래 시작된 오브제 및 퍼포먼스 시리즈다. 신화 및 전래동화 등 이미 존재하는 이야기를 모티프로 삼아 현재를 반영하고 미래의 새로운 내러티브를 그려낸다. 무당/샤먼은 하늘과 땅 사이에서 춤추는 사람으로, 춤을 통해 아프거나 슬픈 사람을 돕고, 망자와 산 자를 이어준다. 보통 사람의 모습을 한 샤먼은 결국 사람의 가장 윗부분에 있는 ‘모자’ 의 형태로 구체화된다. 하늘로 높이 솟은 교회의 첨탑처럼 사람의 머리 위에 놓인 모자로 소통한다. 2100년의 샤먼은 하늘의 메세지를 받아 사람들에게 전달하는 천사의 역할을 하며 사람들을 ‘이야기’로 위로한다. 모자는 천사이고, 스토리텔러이고, 예술가이며 나 자신이고 곧 인간사다. 하늘과 땅 사이를 춤추는 사람들, 우리들, 바로 당신이 모자의 주인공이다.” (더 바이트 백 무브먼트)

작가소개 About Artists

The Bite Back Movement is an artist duo consisting of Alexander AUGUSTUS and Seung Youn LEE. Their work traversing seminal social issues such as cultural differences, religion, youth unemployment, and migrant workers is provocative and uncanny, yet hilarious. They rose to acclaim with an exhibition held at the Somerset House in London. This work was registered in the official archive of the National Portrait Gallery in London in 2014. They have held solo shows at Kunsthalle, the Culture Station Seoul 284, Youngeun Museum of Contemporary Art, and others.
They are active, presenting a variety of public art projects, interactive installations, and performances.

더 바이트 백 무브먼트는 알렉산더 어거스투스와 이승연으로 구성됐다. 각 국가 간 문화의 차이, 종교, 청년실업, 이주노동자와 같은 주요 사회문제들을 가로지르는 그들의 작업은 도발적이고 기이하지만 명랑하다. 런던 서머셋하우스에서 개인전을 선보이며 주목받았고, 이 작품은 2014년 영국 국립초상화박물관 공식 아카이브에 등록되었다. 이외에도 쿤스트할레, 문화역 서울 284, 영은미술관 등에서 개인전 가졌다. 런던, 이탈리아, 슬로베니아 등지에서 다양한 공공미술 프로젝트, 인터렉티브 설치와 퍼포먼스 등을 선보이며 활발히 활동 중이다.

연금술사들의 마지막 The Last of the Alchemists

딘 큐 레 Dinh Q. Lê

연금술사들의 마지막
The Last of the Alchemists, 2013

호치민Ho Chi Minh City 로스앤젤레스Los Angeles


작품소개 About Artworks

The Last of the Alchemists, 2013, Roll of chemical photographic paper inside silver lacquer box, 20.32×137.16×24.13cm

Chemical photography is the only medium that an artist can get as close as possible to being an alchemist. The Last of the Alchemists is an elegiac sculpture composed of a silver-leaf lacquered box. The work, reminiscent of a coffin, contains a large scroll of light-sensitive chemical color photographic paper, completely sealed off from light. The paper is a symbol of the last vestige of analogue photography as we increasingly move into the digital era. It is the opposite of a Pandora box, where light from the outside would contaminate this light sensitive roll of paper. The work is also a time capsule,as an homage to the analogue medium and a symbol of the beginning of an exciting exploration into the infinite possibilities of the digital medium.

Photo courtesy ⁄ Elizabeth Leach Gallery

연금술사들의 마지막, 2013, 은색 락커박스 안에 화학 인화지 롤, 20.32×137.16×24.13cm

화학적 사진은 예술가가 최대한 연금술사에 가까워질 수 있는 유일한 매체다. 라커로 은박된 큐브 형태의 조각 <연금술사들의 마지막>은 아날로그 사진에 대한 오마주다. 완벽하게 빛을 봉쇄한, 일종의 관과 같은 형태의 큐브 안에는 빛에 민감한(감광) 대형 사진 인화용 종이 두루마리가 들어있다. 이 종이 두루마리는 우리가 디지털 시대로 빠르게 넘어가면서 남긴 아날로그 사진의 마지막 흔적이다. 이 작업은 아날로그 매체에 대한 오마주를 담은 타임 캡슐 동시에, 디지털 매체의 무한 가능성들 속으로의 흥분되는 탐험의 시작을 상징한다. 딘 큐 레는 국제 위기가 인식되고 이해되는 방식들에 깊게 맞물리는 작업을 발전시키면서, 최근에는 개인의 역사에서 벗어나 사진 매체의 경계선들을 실험하는 데 집중하고 있다.

사진 제공 ⁄ 엘리자베스 레이치 갤러리

작가소개 About Artists

Dinh Q. Lê has worked with mediums of great diversity
such as installation, video, and sculpture both in Vietnam and the United States. Lê discloses the hidden side and contradictions of history by merging his own personal memory with public history. Lê is well known for his photo installation works produced by interweaving photographic strips featuring Vietnamese history in the traditional fashion. Lê has held numerous solo shows at distinguished museums and galleries including the Midtown Photography Gallery in New York in 1990, Soshana Wayne Gallery in California, P.P.O.W. in New York, and the Museum of Modern Art(MoMA). Lê has gained acclaim as a world-class artist when his works filled the Venice Biennale Italian Pavilion in 2003 and the DOCUMENTA 13 in Kassel.

딘 큐 레는 베트남과 미국, 두 국가를 오가며 설치, 비디오, 조각 등 다양한 매체를 이용해 작업하고 있다. 자신의 사적인 기억과 공적인 역사를 교차시켜 역사의 이면과 모순을 드러내는 작업을 하는데, 그 중에서도 베트남의 역사가 담긴 사진들을 전통 직조 방식을 따라 엮은 사진설치 작업들로 유명하다. 1990년 뉴욕의 미드타운포토그래피갤러리를 시작으로, 캘리포니아의 소사나웨인갤러리, 뉴욕의 P·P·O·W, 모마 등에서
세계 유수의 미술관과 갤러리에서 다수의 개인전을 가졌다. 2003년 베니스 비엔날레 이탈리아 파빌리온에 출품해 전관을 자신의 작업으로 채우면서 국제적 작가로 발돋움했으며, 카셀에서 열린 다큐멘타 13에 참여했다.